Cadrage, composition et lumière⚓
Le cadrage⚓
Le cadrage (terme plutôt utilisé au cinéma) ou la composition (terme plutôt utilisé en photographie) définissent la manière dont on va composer l'image à l'intérieur du cadre, arranger les éléments visuels qui la compose (que ce soit des objets, des personnages, etc.), choisir un angle de prise de vue, ou encore choisir une échelle de plan(s).
Cela va également intégrer la prise en compte des mouvements (des objets ou de la caméra).
C'est également à travers ce cadrage ou cette composition que l'on communique une partie des idées, des impressions, des émotions que l'on veut transmettre aux personnes qui vont regarder ces images.
Conseil : Pour débuter simplement...
Afin de ne pas avoir trop d'éléments à réfléchir et à gérer, nous conseillons d'utiliser les appareils de prise de vue (smartphone, tablette, camescope, etc.) en mode automatique : l'appareil gère les différents réglages, y compris la mise au point.
De même nous conseillons de travailler avec une caméra fixe (pas de mouvement de caméra) et de la monter sur support (pied, etc.) afin d'éviter les tremblements de l'image.
Les valeurs de plans⚓
Les plans
Les images que l'on va construire sont appelées des plans. Chaque plan propose un rapport de proportion entre le décor et le sujet dans ce décor.
L'échelle des plans correspond à la taille des personnages ou des objets dans une image par rapport à la taille de cette image, de ce cadre.
Il est important de connaître ces notions fondamentales lorsque l'on construit une image : cela nous permet d'organiser les éléments dans l'image.
Plan général ou plan large
Mettre en avant le contexte en montrant l'ensemble d'un décor, d'un paysage, dans lesquels peuvent être intégrés des personnages.
Il s'agit d'informer ou de susciter une émotion esthétique.
Plan d’ensemble
Se focaliser sur une action précise, sur une partie du contexte à "échelle humaine".
Permet de présenter le personnage dans son environnement
Plan moyen
Représenter le personnage en pied.
Distinguer un personnage de ce qui l'entoure, lui accorder une importance, le présenter
Plan américain
Prendre le personnage un peu au-dessus des genoux.
Permet d’organiser une conversation entre deux personnages, par exemple.
Plan rapproché
Cadrer les personnages à la ceinture ou à la poitrine.
Ce cadrage entraîne une appréhension plus intime du personnage (caractère, intentions...).
Gros plan
Cadrer le personnage au visage. Supprimant les distances, ce cadrage favorise le rejet ou l’identification et met en évidence les sentiments.
Exprimer la sensibilité, communiquer au spectateur les sentiments du personnage. Mettre en évidence un objet.
Les angles de caméra / appareil photo
Plongée
Le plan en plongée est un plan où la caméra est placée en hauteur par rapport au sujet filmé et où elle plonge sur lui.
Ce plan écrase le sujet et donne au spectateur le sentiment de supériorité, ou donne un sentiment de fragilité du personnage, ou encore amplifie la hauteur d'un lieu
Axe à niveau
On cadre à hauteur d'homme.
C'est une vue neutre.
Contre-plongée
C'est l'inverse de la plongée.
Elle grandit le sujet et le rend plus imposant, lui donnant de l'importance ou un côté menaçant.
Elle peut donner à voir la hauteur d'un bâtiment.
Aller plus loin : des exemples de cadrages au cinéma⚓
Quelques « règles » de composition⚓
Plus que des règles fixes, la composition s'appuie sur un certain nombre de lignes directrices partagées, en grandes parties inspirées des règles de composition de la peinture occidentale.
Les facteurs sur lesquels joue la composition photographique sont :
l'espace sur l'image utilisée pour l'illustration,
les différents plans de l'image,
la perspective, la disposition spatiale des objets sur l'image, la profondeur de champ, et tous les procédés qui donnent l'impression de profondeur sur une image bidimensionnelle,
la ligne ou direction suivie par les yeux lorsqu'on lit l'image,
le jeu sur les tons clairs ou sombres,
la ligne d'horizon, la profondeur de l'image .
Nous allons détaillées certaines de ces « règles » qui sont les plus communes et assez faciles à intégrer.
La règle des tiers
Elle consiste à placer les éléments clef de l'image sur les lignes qui séparent les tiers verticaux et horizontaux, voire sur les intersections entre ces lignes.
On dégage alors le sujet et les éléments importants (comme l'horizon) du centre de la photo.
Ceci évite de « couper » les photos, ce qui donne une impression statique et banale et rend donc l'image plus dynamique.
Des lignes directrices pour guider le regard
Le fait d'utiliser des lignes directrices dans la composition, permet de diriger le regard du spectateur. Cela permet de guider le regard vers un sujet ou donner un sens de lecture à l'image ou encore de la dynamiser.
Ces lignes peuvent être droites ou courbes.
Utiliser la symétrie
Nombre d'éléments dans l'environnement naturel ou artificiel offrent des axes de symétrie.
Les utiliser dans la composition donne souvent des effets visuels très forts.
Utiliser un cadre naturel pour cadrer
Intégrer dans la composition un élément graphique qui entoure le sujet comme un cadre concentre le regard vers la zone significative de la photo et donne un effet de mise en abîme.
La lumière, l'éclairage⚓
La lumière est une donnée importante dans la prise de vue (film ou photographie).
Elle a une incidence sur la qualité du film ou de la photo, mais également peut être utilisée pour dramatiser des scènes en jouant avec les zones d'ombres ou encore masquer ou mettre en exergue des éléments.
Lorsque l'on filme (en intérieur mais également en extérieur, même si c'est plus complexe), il ne faut pas hésiter à ajouter un éclairage qui permet de maîtriser la lumière sur le sujet et atténuer ou neutraliser les variations de la lumière naturelle.
Cela permet également d'éviter les contre-jours non voulus, ou les ombres trop dures (ou encore les yeux plissés pour les personnes quand elles ont le soleil de face en extérieur).
Il faut donc prêter bien attention au placement du(des) sujet(s) comme de la caméra et faire quelques essais pour s'assurer de la qualité de la lumière et éviter les désagréments.
Quelques règles d'éclairage au cinéma
Aperçu de l'effet de l'éclairage sur un portrait en studio⚓
Complément :
Pour aller plus loin : profondeur de champ, mouvements de caméra...⚓
Les éléments présentés dans la partie précédente (cadrage, composition, lumière) abordent des éléments simples qui permettent d'avoir des notions relativement aisées à utiliser pour faire des vidéos.
Les éléments abordés ici, plus complexes à mettre en œuvre techniquement - notamment parce qu'ils nécessitent d'avoir du matériel spécifique et/ou plus évolué, permettent d'aller plus loin dans la réalisation, les effets, etc.
La profondeur de champ⚓
La profondeur de champ, en cinéma ou en photographie, désigne la zone de netteté (en terme de profondeur) de l'image, donc en termes de plans. Dans cette zone, les objets et personnages apparaissent nettes et en dehors de cette zone (en avant ou au delà), les éléments apparaissent flous.
On parle de faible profondeur de champ lorsque cette zone n'est pas très étendue (toujours en terme de profondeur). Cela permet de n'avoir qu'une zone nette : le sujet, et le reste de l'image floue (ce qui est devant le sujet, ou derrière le sujet).
Cela produit un effet de mise en exergue du sujet.
En photographie, on cherche une faible profondeur de champ pour les portraits en cadrage rapproché ou gros plan, par exemple.
Dans le cas d'une grande profondeur de champ, un maximum de l'image est nette.
C'est ce que l'on cherche par exemple sur les plans d'ensemble ou les plans larges. En photographie, c'est notamment le cas pour des paysages.
A noter : il est impossible techniquement parlant d'avoir une image nette de la zone de prise de vue à l'infini : il y aura toujours une zone floue juste devant l'appareil de prise d'image.
Les appareils de prise de vue tels que les smartphones, les tablettes, les camescopes numériques, ont des réglages par défaut qui filment (ou photographient) avec des profondeurs de champ étendues (cela pour éviter les problèmes de flou de mise au point).
Pour « maîtriser » la profondeur de champ, il est nécessaire de passer les appareils de prise de vue en mode « manuel » afin d'avoir accès au réglage de paramètres spécifiques.
Les facteurs influençant la profondeur de champ
La profondeur de champ dépend de plusieurs facteurs techniques, principalement :
l'ouverture du diaphragme de l'objectif,
la distance de mise au point (ou point de focus).
(Mais également de la focale de l'objectif et de la surface de captation de l'image).
Le diaphragme est un élément mécanique de l’objectif qui permet de “doser” la quantité de lumière qui atteint le capteur. C’est un iris qu’on peut ouvrir plus ou moins suivant les besoins.
L'ouverture du diaphragme se note « f/ » suivi d'un nombre (qui représente le rapport entre le diamètre de l'objectif et le diamètre d'ouverture de l'iris). Plus le nombre est petit, plus le diaphragme est ouvert, et plus il est grand, plus il est fermé.
Plus le diaphragme est ouvert (image de gauche), plus il laisse passer la lumière,
Plus le diaphragme est fermé (image de droite), moins il laisse passer la lumière.
Influence de l'ouverture (du diaphragme) sur la profondeur de champ
Pour une distance de mise au point identique, plus l'ouverture du diaphragme est grande (petit nombre f/), plus la profondeur de champ est faible ; inversement, plus le diaphragme est fermé (grand nombre f/), plus la profondeur de champ est étendue.
Influence de la distance de mise au point (point de focus)
A ouverture du diaphragme identique, plus le point de focus est proche (de l'appareil de prise d'image), plus la profondeur de champ est réduite ; à l'inverse, la profondeur de champ augmente à mesure que le point de focus est éloigné.
Enfin, la profondeur de champ ne s'étend pas symétriquement en avant et en arrière du point de focus, elle s'étend beaucoup plus à l'arrière du point de focus à mesure que l'on recul celui-ci ou que l'on ferme le diaphragme.
Les mouvements de caméra⚓
Il existe 3 grands type de mouvements de caméra dans le cinéma :
Le travelling,
Le panoramique,
Le zoom.
Ces mouvements peuvent être combinés entre eux pour obtenir encore d'autres effets.
Le travelling
Il s'agit d'un mouvement par translation de la caméra. De fait, plusieurs travelling sont possible :
latéral (gauche/droite ou droite/gauche),
avant ou arrière (qui correspond ainsi à un effet de zoom),
haut/bas,
circulaire (rotation autour du sujet).
Ce type de mouvement est fait soit par déplacement du cameraman, ou en montant la caméra sur un système comme un véhicule, un chariot sur rails, une grue, etc.
Le panoramique
Il s'agit d'un mouvement de rotation de la caméra autour d'un axe vertical ou horizontal.
D’un point de vue technique, ce mouvement est réalisé à l’aide d’un pied muni d’une tête rotative ou bien caméra à l’épaule.
Le zoom
Le zoom est un mouvement de rapprochement ou d’éloignement par rapport au sujet.
Il y a deux manières de réaliser un effet de type zoom :
par travelling. Il y a alors modification des perspectives.
optiquement, en utilisant un objectif à focale variable. Il n'y a pas modification des perspectives.
Peut également s'ajouter le zoom numérique, sur certains appareils (smartphone, tablette, etc.)
Quelques combinaisons
Comme évoqué, à partir de ces mouvements de base, toutes les combinaisons sont possibles, suivant les idées et le matériel à disposition. Ceci étant dit, certaines combinaisons sont plus connues que d'autres par les effets visuels très forts qu'elles produisent. Nous allons ainsi en citer deux principales.
Le plan séquence
Il s'agit d'un plan long dans lequel la caméra est toujours en mouvement et filme en continu. Ainsi plusieurs mouvements de caméra vont s'enchaîner, avec éventuellement quelques plans fixes, sans coupure.
C'est une des techniques cinématographiques les plus difficile à maîtriser et elle nécessite énormément de préparation.
En savoir plus sur le plan séquence
Le travelling compensé (trans-trav ou Dolly Zoom)
Derrière ce nom barbare ce cache la combinaison entre un travelling avant et un zoom arrière (optique) (ou d'un travelling arrière et un zoom avant), tout en gardant le cadrage sur le sujet. Il en résulte le fait que le sujet garde plus ou moins la même position et la même taille dans le cadre, mais la perspective et l'environnement changent.
C'est un effet également difficile à maîtriser et à mettre en place.
On le retrouve également sous le nom de « Vertigo Effect », dans la mesure où c'est Hitchcock qui l'utilise pour la 1ère fois dans le film « Vertigo » pour rendre visible l'effet de vertige.
Exemples de travellings compensés
Le scénarimage⚓
Définition :
Le scénarimage (storyboard en anglais) est « l'histoire » imaginée, une représentation illustrée avant sa réalisation.
L'objectif du scénarimage est de planifier l'ensemble des plans qui constitueront le film.
Sa mise en page ressemble à celle d'une bande dessinée.
Complément : Scénarimage à imprimer - Fiche type n°1
Complément : Scénarimage à imprimer - Fiche type n°2
Exemple : Exemple de scénarimage
Complément : Logiciels d'aide à la création d'un scénarimage
My story book (en ligne)
Storyboar that (en ligne)
